El 21 de diciembre de 1401 nace en Castel San Giovanni - actualmente San Giovanni Valdarno - Tomasso di Ser Giovanni di Mone Cassai, más conocido como Masaccio ("tosco", "pesado") uno de los pintores más importantes del Quattrocento. Su padre, notario de profesión, se llamaba Ser Giovanni Cassai - apellido derivado de la profesión de su abuelo, artesano que hacía muebles y cajas - y su madre Iacoba. En 1406 queda huérfano de padre, naciendo ese año su hermano Giovanni, conocido como Scheggia, quien protagonizará San Pedro sana con su sombra en la capilla Brancacci. Caterina, la otra hermana, se casó con un pintor llamado Mariotto di Cristofano. Sus primeros contactos artísticos tendrían lugar en su ciudad natal, trasladándose Masaccio a Florencia hacia 1417, acompañado de su madre, viuda de su segundo matrimonio. El 7 de enero de 1422 aparece inscrito en el gremio de médicos, boticarios y pintores de la ciudad, empapándose del ambiente humanista que se respiraba en la capital de la Toscana, relacionándose con Donatello y Brunelleschi, como se observa en el Tríptico de San Giovenale, su primera obra conocida. En esos momentos también trabaja en el fresco de La Consagración para la iglesia del Carmine. Se considera que al año siguiente realiza un viaje a Roma, donde se interesa por el mundo antiguo. En 1424 se inscribe en la "Compagnia di San Luca" e inicia sus relaciones con Masolino, con quien trabaja en algunas obras como la Santa Ana, Virgen con Niño y ángeles y en la decoración de la capilla Brancacci, su obra maestra. La ejecución de los frescos se prolongará hasta 1428, trabajos que compagina con otros encargos como el Políptico de Pisa o el fresco de la Trinidad de la iglesia de Santa Maria Novella. Gracias al catastro de 1427 sabemos que Masaccio vivía con su hermano Giovanni y su madre en una casa alquilada de la Via dei Servi y que ocupaba un taller en la actual Piazza di San Firenze. En 1428 se traslada a Roma, interrumpiendo los trabajos en la capilla Brancacci - que continuará 60 años después Filippino Lippi - para colaborar nuevamente con Masolino en la ejecución de un tríptico para la iglesia de Santa Maria Maggiore, que no llegó a finalizar ya que falleció misteriosamente ese mismo año, sugiriéndose que fue envenenado, aunque no existen datos fidedignos que avalen esta hipótesis. Cuando recibió la noticia del fallecimiento de Masaccio, su buen amigo Brunelleschi comentó: "Hemos sufrido una gran pérdida". El estilo de Masaccio destacará por sus figuras monumentales, inspiradas en la escultura de Donatello, actualizando las ideas de Giotto y situándose frente a Gentile da Fabriano, quien triunfaba en Florencia con sus elegantes escenas tardogóticas. Masaccio aporta un elevado interés hacia la perspectiva científica al dotar de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la expresión de sus personajes y el empleo de la iluminación, que transmiten a sus obras un lenguaje crucial para la evolución de la pintura renacentista, considerándose como el primer maestro del Quattrocento, que influiría en artistas como Botticelli, Fra Filippo Lippi o Miguel Ángel.

En el reverso de esta tabla se presenta un escudo con seis estrellas rojas sobre un campo amarillo, partido por una banda negra con una cruz dorada en el centro y un capelo cardenalicio en la parte superior. Se trata del escudo de Antonio Casini, nombrado cardenal el 24 de mayo de 1426, por lo que podría ser el motivo del encargo a Masaccio de esta Virgen con Niño, relacionada directamente con el Políptico de Pisa. María sostiene al Niño en brazos, haciéndole cosquillas en la barbilla con su mano derecha a lo que el pequeño responde con una sonrisa. Viste la Virgen un manto de color azul intenso y una túnica roja, bordados ambos con una tira dorada decorada con letras cúbicas. El Niño está rodeado en sus piernas de una faja - costumbre muy habitual en toda Europa hasta hace escaso tiempo - llevando una camisa transparente y un collar con un coral, amuleto habitual en los recién nacidos para evitar enfermedades y obtener suerte. Ambas figuras se recortan sobre un fondo dorado, destacando su monumentalidad y el naturalismo de sus rostros, especialmente el gesto de preocupación de María por el destino de su hijo. La obra ha sufrido numerosos avatares a lo largo del siglo XX ya que fue secuestrada en 1947, robada en 1971 y recuperada dos años más tarde.

El Políptico de Pisa es uno de los encargos mejor documentados que tenemos de Masaccio. El cliente fue el notario de San Giusto, ser Giuliano di Colino degli Scarsi, y la ubicación, el altar de la capilla que había encargado construir en noviembre de 1425 en la iglesia del Carmine de Pisa. Masaccio empezó los trabajos el 19 de febrero de 1426 y recibió el finiquito el 26 de diciembre, lo que indica que había finalizado el encargo. Ocho florines fue la cuantía que cobró, en diversos pagos que cobraron Donatello y Andrea di Giusto en nombre del maestro. Desmembrado a principios del Cinquecento, los intentos por reconstruirlo han sido varios por parte de los especialistas, sin que exista un acuerdo definitivo entre ellos. En la actualidad las distintas tablas se encuentran desperdigadas por varios museos. La hipótesis más extendida describe el políptico de la siguiente manera: en el centro la Virgen con el Niño que aquí apreciamos, coronada por la Crucifixión acompañada por el San Pablo y el San Andrés. Junto a la Madonna encontraríamos los Santos Pedro y Juan Bautista y los Santos Julián y Nicolás (hoy desaparecidos). En los laterales de la tarima se ubicarían la Crucifixión de San Pedro y la decapitación del Bautista y las Historias de San Julián y San Nicolás mientras que en el centro estaba la Adoración de los Magos. Los Carmelitas, San Jerónimo y San Agustín estarían asociados al Políptico, posiblemente en los laterales. La Virgen con el Niño y cuatro ángeles es una obra fundamental para advertir la evolución en el estilo de Masaccio, tomando referencias del mundo clásico para abandonar el goticismo. María se asienta sobre un amplio trono de estructura renacentista inspirado en la obra de Brunelleschi, interesados ambos artistas en la perspectiva. La figura se ubica en el centro de la tabla mientras que en primer plano se sitúan dos ángeles músicos en una escala menor, sirviendo de enlace entre el espectador y la composición. Uno de ellos saca el mástil de su instrumento hacia el exterior para ahondar en la perspectiva. Tras el trono encontramos a dos ángeles más, creando un tercer plano que se cierra con el fondo dorado, referencia gótica que posiblemente se deba al deseo del cliente. El Niño comiendo uvas es una referencia a los mosaicos y sarcófagos romanos, en una nota de naturalismo que contrasta con la serenidad espiritual de la Virgen. Incluso el escalón de acceso al trono está decorado con "strigiles", instrumento de doble curvatura que utilizaban los atletas para quitarse el sudor y el polvo siendo un motivo decorativo de los sarcófagos romanos. En definitiva, el mundo clásico está presente en esta tabla tanto en la perspectiva empleada como en la decoración, la iluminación o el volumen de las figuras.

La similitud de esta Madonna con Niño y la Virgen de la Santa Ana, Virgen con el Niño y ángeles ha sido fundamental para considerarla como obra de Masaccio ya que su descubrimiento en 1961 motivó varias atribuciones. En el marco de la tabla hay una inscripción en la que aparece la fecha exacta del trabajo: el 23 de abril de 1422. La Virgen se sienta en un trono de clara inspiración clásica, fundamental para el estudio de la perspectiva ya que se cierra con el fondo dorado. En primer plano, la tarima sobre la que se asienta el trono y los dos ángeles de espaldas, elemento que se empleará en el Quattrocento para introducir al espectador en la composición. La diferente escala de los personajes obedece a la ley de la jerarquía típica del mundo gótico, al igual que los fondos dorados. El rostro de María tiene un ligero candor mientras el Niño adopta una postura escorzada de gran vigor y cierto naturalismo. Las figuras están dotadas de la monumentalidad que estaba aplicando Donatello a sus esculturas, siendo Masaccio uno de los más profundos admiradores del genial escultor florentino. El dominio de la línea, que delimita sabiamente los contornos, indica la maestría del joven artista que revolucionará el mundo de la pintura y que había tomado como maestros a Giotto y Donatello.